ÉDUCATION MUSICALE ET THÉÂTRALE – 2ÈME ANNÉE DES HUMANITÉS PÉDAGOGIQUES

Edition 2025 / Enseignement, primaire, secondaire et technique en RDC.

PRÉLIMINAIRES

Présentation du programme

Ce programme de deuxième année consolide et approfondit les compétences en didactique des arts d’expression, visant à former des enseignants capables non seulement d’animer des activités, mais aussi de concevoir et de piloter des projets artistiques complexes et intégrés. L’accent est mis sur la maîtrise des méthodologies d’enseignement, la mise en pratique avancée des techniques vocales, instrumentales et scéniques, et le développement d’une posture professionnelle réflexive. Le futur maître est préparé à devenir un véritable médiateur culturel, apte à éveiller chez ses élèves une conscience esthétique et une capacité d’expression personnelle ancrées dans le patrimoine congolais.

📖 PREMIÈRE PARTIE : FONDEMENTS ET CONTEXTE

Chapitre 1 : Fondements de l’éducation musicale et théâtrale

Ce chapitre renforce le socle théorique en justifiant la place des arts à l’école non comme de simples disciplines d’agrément, mais comme des vecteurs essentiels du développement humain et cognitif.

1.1. Définition et objectifs

L’éducation musicale et théâtrale est définie comme une démarche structurée visant le développement de la sensibilité, de l’imagination, de l’intelligence et de la motricité par la pratique du son, de la voix, du corps et du jeu. Ses objectifs incluent la maîtrise de langages expressifs, l’affirmation de soi et la capacité à collaborer.

1.2. Rôle socio-culturel et éducatif

Ces disciplines jouent un rôle capital dans la transmission des valeurs et du patrimoine culturel. La pratique collective du chant ou du théâtre renforce la cohésion sociale, cultive l’écoute de l’autre et prépare à la citoyenneté active par l’expérience du dialogue et du projet commun.

1.3. Place dans le curriculum de l’éducation de base

La position de ces matières dans le programme national est affirmée comme étant centrale. Elles contribuent de manière unique à l’équilibre de la formation en sollicitant des formes d’intelligence (kinesthésique, musicale, interpersonnelle) que d’autres disciplines abordent moins directement.

1.4. Lien avec les compétences transversales

Une démonstration est faite de la manière dont la pratique artistique développe des compétences transférables à tous les domaines du savoir : la créativité, la résolution de problèmes, la pensée critique (analyser une œuvre), la communication et la confiance en soi.

Chapitre 2 : Histoire et traditions artistiques congolaises

Ce segment approfondit la connaissance du patrimoine national pour que le futur enseignant puisse y puiser de manière authentique et pertinente.

2.1. Musiques traditionnelles et contemporaines

Une cartographie plus détaillée des styles musicaux de la RDC est proposée, allant des polyphonies vocales de l’Ituri aux rythmes des orchestres modernes de Kinshasa. L’étude des structures rythmiques et mélodiques vise à dégager des éléments transposables en classe.

2.2. Théâtre et formes de spectacle populaire

Au-delà du conte, l’analyse se porte sur des formes comme le théâtre populaire urbain, ses thématiques sociales, son usage des langues nationales et son interaction avec le public. Ces formes vivantes constituent une source d’inspiration pour un théâtre scolaire ancré dans la réalité.

2.3. Instruments et techniques indigènes

Une étude plus technique des instruments traditionnels est menée : classification (idiophones, membranophones, etc.), techniques de jeu de base du likembe (piano à pouces) ou de la flûte en bambou, et leur potentiel pédagogique.

2.4. Transmission et évolution

La réflexion porte sur les modes de transmission des savoirs artistiques, hier et aujourd’hui. L’école est présentée comme un nouveau maillon de cette chaîne de transmission, ayant la responsabilité d’adapter ce patrimoine sans le dénaturer.

Chapitre 3 : Psychopédagogie de l’art

Ce chapitre explore plus finement les mécanismes psychologiques à l’œuvre dans l’apprentissage artistique pour permettre un accompagnement plus juste des élèves.

3.1. Théories de l’apprentissage artistique

Les théories constructivistes sont appliquées au domaine artistique : l’élève construit son savoir-faire et sa sensibilité en agissant, en expérimentant et en interagissant avec ses pairs et avec les œuvres. Le rôle de l’enseignant est celui d’un facilitateur.

3.2. Développement cognitif et expressif

L’analyse montre comment la pratique artistique structure la pensée. Le théâtre aide à la décentration (se mettre à la place d’un autre) et la musique développe la pensée logico-mathématique par la perception des structures, des durées et des hauteurs.

3.3. Motivation et engagement

Les sources de la motivation intrinsèque en art sont étudiées : le plaisir du jeu, le sentiment de compétence, le besoin d’expression et la satisfaction de créer. L’enseignant apprend à créer des situations qui nourrissent cette motivation naturelle.

3.4. Environnement artistique en classe

Les caractéristiques d’un environnement propice à la créativité sont définies : sécurité psychologique (droit à l’erreur), richesse des propositions, disponibilité du matériel, et surtout, une attitude d’ouverture et d’encouragement de la part de l’enseignant.

👨‍🏫 DEUXIÈME PARTIE : MÉTHODOLOGIE D’ENSEIGNEMENT

Chapitre 4 : Planification des séquences pédagogiques

Ce chapitre vise la maîtrise de l’ingénierie didactique, de la planification à long terme à la préparation minutieuse de chaque séance.

4.1. Objectifs spécifiques par niveau

Les futurs enseignants apprennent à décliner les objectifs généraux du programme en objectifs d’apprentissage spécifiques et mesurables pour chaque année du cycle primaire, en assurant une complexification progressive des compétences visées.

4.2. Séquençage des activités

La construction d’une séquence didactique est détaillée. Il s’agit d’articuler de manière logique une série de séances autour d’un projet ou d’une compétence, en alternant les moments de découverte, d’entraînement technique et de création.

4.3. Fiches de préparation

La fiche de préparation est consolidée comme un outil professionnel indispensable. Sa rédaction doit témoigner d’une réflexion approfondie sur le déroulement de la séance, les consignes, la gestion du temps et la différenciation.

4.4. Programmation annuelle

La compétence à élaborer une programmation annuelle cohérente est développée, en répartissant les apprentissages sur l’année, en prévoyant des projets marquants et des moments d’évaluation, tout en gardant une flexibilité pour s’adapter aux opportunités.

Chapitre 5 : Techniques pédagogiques en éducation musicale

Ce volet se concentre sur le « comment faire » en classe de musique, en dotant les enseignants d’un répertoire de démarches concrètes.

5.1. Éveil et perception sonore

Des activités d’écoute fine sont proposées : jeux de reconnaissance des timbres (instruments, voix, bruits), de hauteurs (grave/aigu), d’intensités (fort/doucement), pour développer l’acuité auditive des élèves.

5.2. Apprentissage du chant et de la voix

Les techniques pour enseigner un chant sont systématisées : échauffement vocal ludique, apprentissage par fragments, utilisation du geste pour soutenir la justesse, travail sur l’interprétation et l’expressivité.

5.3. Initiation instrumentale

Des démarches sont proposées pour une pratique instrumentale collective, même avec des instruments hétéroclites. L’utilisation d’ostinatos rythmiques simples permet d’intégrer rapidement tous les élèves dans un ensemble instrumental.

5.4. Écoute et appropriation de répertoires

La culture de l’écoute active d’œuvres musicales variées (traditionnelles, classiques, contemporaines) est développée. Des grilles d’écoute simples sont proposées pour guider l’attention des élèves et les aider à verbaliser leur ressenti.

Chapitre 6 : Techniques pédagogiques en art dramatique

Ce segment fournit des outils pratiques pour animer un atelier de théâtre de manière structurée et progressive.

6.1. Jeux d’expression et mime

Une banque de jeux théâtraux est explorée pour travailler de manière ludique les fondamentaux : la concentration, l’écoute, la confiance, l’imagination, l’expression corporelle et la communication non verbale.

6.2. Travail de la voix et de la diction

Des exercices spécifiques (virelangues, travail sur les voyelles) sont proposés pour améliorer l’articulation. Le travail sur l’expressivité de la voix parlée (volume, débit, intonation) est abordé à travers l’improvisation et la lecture de textes.

6.3. Construction de personnage

Les techniques pour aider les élèves à créer un personnage sont approfondies : exploration de différentes démarches, voix, attitudes. Le travail à partir de masques simples (neutres ou expressifs) est introduit comme un puissant outil de composition.

6.4. Introduction à la mise en scène

Les notions de base de l’organisation de l’espace scénique sont abordées : entrées et sorties, déplacements, relation entre les personnages, utilisation des différents plans de la scène pour créer du sens.

🎭 TROISIÈME PARTIE : PRATIQUES ARTISTIQUES

Chapitre 7 : Chorale et musique collective

Ce chapitre est consacré à la pratique du chant choral, activité fédératrice par excellence.

7.1. Sélection et adaptation de chants

Les critères de choix d’un répertoire pour une chorale d’enfants sont affinés : tessiture adaptée, intérêt mélodique et rythmique, qualité du texte. Des techniques d’arrangement simple pour adapter un chant existant sont également abordées.

7.2. Techniques de direction

La gestique du chef de chœur est travaillée plus en détail : précision des départs et des fins, indication des nuances (crescendo, decrescendo) et expression du caractère de la musique.

7.3. Travail en polyphonie élémentaire

L’initiation à la polyphonie est approfondie, à travers la pratique du canon, du chant avec bourdon (note tenue) ou de chants à deux voix simples, pour développer l’écoute harmonique.

7.4. Coopération et cohésion du groupe

Le rôle de l’enseignant dans la création d’un esprit de chœur est souligné. La chorale est une école de l’écoute mutuelle, de la solidarité et de la mise au service du collectif.

Chapitre 8 : Atelier instrumental

Ce volet vise à rendre les futurs maîtres capables d’animer une pratique instrumentale collective, même avec des moyens limités.

8.1. Parcours instrumental adapté

L’enseignant apprend à concevoir un parcours de découverte instrumentale, permettant aux élèves de s’initier à différents instruments (percussions, petites flûtes, sanza) au cours de l’année.

8.2. Techniques de base des percussions

Les techniques de frappe sur les instruments à percussion (tambours, xylophones) sont étudiées pour obtenir une bonne qualité de son. L’apprentissage de rythmes traditionnels de base de la région de Bandundu est proposé.

8.3. Entretien et fabrication d’instruments

Des ateliers pratiques sont menés pour consolider les compétences en fabrication d’instruments simples (shakers, tambours sur cadre) et pour apprendre les gestes de base de leur entretien et de leur réparation.

8.4. Coordination rythmique

Des exercices de polyrythmie simple sont introduits, où différents groupes d’élèves jouent des rythmes complémentaires, développant ainsi la concentration et la coordination.

Chapitre 9 : Mise en scène et représentation théâtrale

Ce chapitre conduit le futur enseignant à maîtriser le processus de création d’un spectacle de l’idée à la représentation.

9.1. Écriture dramatique courte

Des techniques d’écriture de plateau sont explorées : création de courtes scènes à partir d’improvisations, écriture de dialogues, structuration d’un court récit dramatique.

9.2. Répétitions et jeux collectifs

La méthodologie de la répétition est abordée : comment passer de la lecture à la mise en espace, comment mémoriser le texte, comment construire les scènes pas à pas en gardant l’implication des acteurs.

9.3. Costumes et décor

Des stratégies sont développées pour concevoir et réaliser une scénographie simple mais efficace avec des moyens limités, en utilisant la suggestion et le détournement d’objets.

9.4. Présentation publique

La préparation à la représentation est traitée : gestion du trac, organisation des aspects logistiques (accueil du public), et importance du moment de partage final pour valoriser le travail accompli.

Chapitre 10 : Intégration interdisciplinaire

Ce chapitre explore les synergies entre les arts et les autres disciplines pour un apprentissage plus intégré et signifiant.

10.1. Projets interdisciplinaires

La méthodologie du projet artistique interdisciplinaire est approfondie. Un exemple concret pourrait être un projet sur l’histoire du fleuve Congo, combinant recherche documentaire (histoire, géographie), écriture de textes (français), création de chants (musique) et mise en scène (théâtre).

10.2. Thèmes culturels et patrimoniaux

L’utilisation de thèmes issus du patrimoine (contes, légendes, personnages historiques) est encouragée pour donner une substance culturelle forte aux projets artistiques et renforcer l’identité des élèves.

10.3. Coopération enseignants

La nécessité de la collaboration entre l’enseignant titulaire et les éventuels intervenants spécialisés, ainsi qu’entre les enseignants de différentes disciplines, est soulignée comme une condition de réussite des projets ambitieux.

10.4. Événements artistiques scolaires

La planification d’événements (fête de l’école, journée culturelle, festival) est abordée comme une occasion de mobiliser toute la communauté scolaire et de donner une visibilité et une reconnaissance aux pratiques artistiques.

📊 QUATRIÈME PARTIE : ÉVALUATION ET DÉVELOPPEMENT PROFESSIONNEL

Chapitre 11 : Évaluation en éducation musicale et théâtrale

Ce chapitre dote les enseignants d’outils pour évaluer les apprentissages artistiques de manière juste et constructive.

11.1. Critères musicaux et dramatiques

Des critères d’évaluation précis sont élaborés, portant à la fois sur les savoir-faire techniques (justesse, rythme, articulation, etc.) et sur les savoir-être (engagement, écoute, créativité, capacité à collaborer).

11.2. Grilles et barèmes

La construction de grilles d’observation et de barèmes de notation est travaillée pour rendre l’évaluation plus objective et transparente, que ce soit pour une évaluation en contrôle continu ou pour une présentation.

11.3. Feedback constructif

Les techniques pour formuler un retour aux élèves sont enseignées. Le feedback doit être bienveillant, précis, et mettre en avant les réussites avant de suggérer des pistes d’amélioration.

11.4. Remédiation et suivi

L’évaluation doit déboucher sur une action. L’enseignant apprend à utiliser les informations recueillies pour proposer des activités de remédiation ciblées aux élèves en difficulté et des défis supplémentaires aux plus avancés.

Chapitre 12 : Gestion de classe et logistique artistique

Ce volet aborde les aspects très concrets de l’organisation matérielle et humaine des activités artistiques.

12.1. Aménagement de l’espace créatif

Des solutions pratiques sont explorées pour optimiser l’espace de la classe ou de l’école (création d’un coin musique, aménagement d’une petite scène), afin de créer un environnement de travail fonctionnel et inspirant.

12.2. Gestion du matériel sonore et scénique

La gestion du parc instrumental et des accessoires de théâtre est abordée : inventaire, rangement, règles d’emprunt, entretien. La responsabilisation des élèves dans cette gestion est une compétence à développer.

12.3. Hygiène et sécurité

Les règles de sécurité spécifiques sont rappelées : hygiène des instruments à vent (flûtes), sécurité des déplacements sur le plateau, gestion des branchements électriques pour la sonorisation.

12.4. Routines et discipline positive

L’instauration de routines claires (rituels de début et de fin de séance, rangement) est présentée comme un outil efficace pour la discipline. Une approche positive, basée sur l’engagement dans le projet, est privilégiée.

Chapitre 13 : Perfectionnement et professionnalisation

Ce chapitre final prépare le futur enseignant à inscrire sa pratique dans une dynamique de développement continu.

13.1. Autoformation et ateliers

L’enseignant est encouragé à poursuivre sa propre pratique artistique personnelle (chanter dans une chorale, jouer d’un instrument, faire du théâtre) comme condition de sa légitimité et de son épanouissement.

13.2. Veille artistico-pédagogique

La nécessité de se tenir informé des nouvelles publications, des nouveaux répertoires et des innovations pédagogiques dans le domaine artistique est soulignée.

13.3. Réseaux et collaborations

La participation à des réseaux d’enseignants en éducation artistique et la collaboration avec les artistes et les structures culturelles locales (par exemple, le centre culturel de Mbuji-Mayi) sont présentées comme des sources d’enrichissement mutuel.

1.4. Ethique et engagement artistique

Une réflexion est menée sur l’éthique de l’enseignant-artiste : respect des œuvres et des cultures, promotion de la diversité, bienveillance envers les élèves, et conscience du rôle de l’art dans l’émancipation individuelle et collective.

📎 ANNEXES

Les annexes sont conçues comme des ressources opérationnelles. La progression annuelle détaillée offre un exemple concret de planification. Les modèles de fiches de préparation servent de guide pour la conception des séances. Les grilles d’évaluation fournissent des outils prêts à l’emploi ou adaptables. Le répertoire de chants et pièces dramatiques constitue une base de travail de qualité, spécifiquement choisie pour le contexte congolais. Enfin, la bibliographie ouvre des pistes pour une recherche et une formation personnelles approfondies.